boceto inicial  de la idea 

Fragmento

Popa, Dana Texto y fotografía en el arte contemporáneo. Dos ejemplos.

Boris Mikhailov. Disertación Inacabada,1980´s (…)Ya sea en el trabajo de Fulton, ya sea en el de Mikhailov, la relación entre fotografía y texto suscita una mediación entre dos tiempos y dos lugares: el tiempo singular e irrepetible de las situaciones que registran y el tiempo y el lugar del espectador, diverso y plural, causante de una confrontación con la experiencia, la lectura y la interpretación. Siendo absolutamente distintos los proyectos de ambos artistas, sus obras configuran dos posibilidades de cruzamiento entre texto e imagen a partir de la ampliación de la condición documental o diarística que esta intersección posibilita. La asociación de imágenes y textos suscita atlas inesperados donde la biografía y cosmogonías diversas coinciden. La condición documental de la fotografía se suma a la revelación del autorretrato, a veces asumido literalmente en el caso de Mikhailov, otras veces transferido para la reunificación cómplice de la realidad y de la mirada del artista, como sucede en Fulton. La experiencia de los lugares es filtrada por un interrelación selectiva con las imágenes y los momentos que ellas originan. En ninguna de las obras la realidad aparece como un mero motivo de documentación: la subjetividad del mirar construye una topografía inesperada del lugar representado, uniendo el paisaje a la intimidad, en la revelación de un presente intemporal, donde la representación se une a la interpretación, la identidad a la identificación. La textualidad se manifiesta como un utensilio de deconstrucción ideológica en Mikhailov, a través de la ironía del estilo o de la enunciación del sujeto en la representación; mientras que en Fulton, una topografía individual emerge del contraste de los tiempos y espacios evocados por el texto con los límites y las fronteras que simultáneamente abren la experiencia del arte al mundo, en una intimidad cómplice con el espectador en los laberintos de sus trayectos y topologías.

Hamish Fulton. Road Kill, 2003. Esta interrelación entre texto y fotografía puesta de manifiesto en las obras de los dos artistas es ejemplar del uso de la fotografía como soporte de los discursos que, en el arte de nuestro tiempo, a través de su permanente y singular heterodoxia en relación a las condiciones técnicas de su realización y presentación, desafían los límites de los géneros artísticos en la revelación inesperada de los nuevos textos con que el arte contribuye a una relectura del mundo, con nuevas pistas para su interpretación, confrontándonos con nuevas e incesantes preguntas en vez de esperar encontrar sus respuestas. La relación entre texto y fotografía en el arte contemporáneo deshace la idea de que todo está ya escrito, de que la fotografía es apenas un ejercicio de representación de una realidad conocida o desconocida, o de que el arte pueda ser apenas la repetición de las experiencias que ya descubrieron otros. Las obras de Fulton y Mikhailov no son las únicas a la hora de proponerlo, sin embargo asumen una particular naturaleza ejemplar y distintiva de muchos de los interrogantes con los que el discurso irrumpió en la imagen, confrontando la necesidad de una permanente reinvención a través de la obra de arte. tomado de: http://www.exitmedia.net/prueba/esp/articulo.php?id=125

Repak Recycling Week 08-Robert Bradford's "Plastic Family"

 entrevista con uno de los artistas que se apropia del material reciclado para hacer esculturas "Robert Bradford"

TITULO: el arte es basura

Partiendo de los conceptos de escultura expandida y las posibilidades que este nos brinda en el campo de manufactura,  se resuelve  realizar una obra que se apropie de las condiciones que los procesos de producción de la contemporaneidad como son los residuos o desechos que arroja el consumismo y un estilo de vida derrochador nos brindan a aquellas  personas interesadas en tratar las circunstancias de la cotidianidad, así pues me baso en lo que nos dice rosalind krauss  en su texto de la escultura en el campo expandido “lo expandido en las artes se da como reacción a lo puro, y hace referencia entre otras cosas a  la multiplicidad de medios y formulas  que se pueden utilizar en el arte,  haciendo alusión al mundo en que están viviendo los artistas(y espectadores), a la hibridación de medios y culturas propias de un mundo globalizado”  entonces cuando se piensa en la modernidad y en la globalización uno de los primeros conceptos que se vienen a  mi mente es el de consumismo, el cual a su vez genera productos que en su mayoría son desechos o mugres, conceptos de los cuales me apropiare para hablar de un tema como el arte de una forma muy directa pero al mismo tiempo  simbólica, haciendo alusión a la opinión de muchas personas con las que he hablado y es que “el arte no sirve para nada”,  entonces  si algo no tiene utilidad pasa a ser  estorbo,  molestia, basura.  

Mi planteamiento seria de tipo sociológico y antropológico haciendo de la obra también un trabajo etnográfico; en realidad ¿Cuál es la opinión de las masas sobre el arte?  O por lo menos en un principio en mi entorno en mi ciudad, por esto con materiales reciclados y reutilizados (basura)  haciendo un circulo donde lo que espero es generar una opinión por parte de las personas con algo que simplemente descartan. Se creará  un letrero tridimensional, “EL ARTE ES BASURA” el cual será itinerante y se tomara registro de video de la reacción de las personas en cada lugar de la urbe, para tener un panorama más claro de lo que ellas piensan y además de cómo reaccionan ante una expresión de este tipo. 

Trash Menagerie - Art from Recycled Material

La expansión en el arte

Si tomamos la definición de expansión como la acción de extenderse dilatarse o agrandarse, podremos entonces acercarnos un poco más al concepto de “expansión en el arte”, no se trata de una mayor producción de la obra de arte tradicionalista, hablamos de la posibilidad que los años 60s y 70s nos brindaron, haciendo que se desbordaran las concepciones de producción de los artistas y hasta de los espectadores.

En nuestro caso en la escultura las posibilidades se ampliaron mucho, suscitando una nueva visión del espacio, del tiempo y de la percepción que podemos tener hacia la imagen, tomando como referentes todos los ismos y vanguardias que se venían dando y que se consolidaron en diferentes formas de ver la tridimensionalidad en la actualidad, involucrando a los diferentes campos sociales y físicos dentro de la obra y su creación. Así hoy en día es común apreciar obras de escultura expandida con elementos sonoros o digitales, la virtualidad y sus consecuencias han provocado que nuestro enfoque de la cosas se transformen hacia la pluralidad, que se ve reflejada en las obras contemporáneas.

La pluralidad de ideas y de sistemas de producción es lo que hace que tengamos tan numerosas formas de percibir el arte y sea válida casi cualquier forma dentro de los medios de expresión plástica, estamos ante una hibridación conceptual y técnica. Ya que lo importante no es él como, si no el que. Como lo afirma Luis Alejandro Montes Rojas en su escrito “la relación entre los conceptos de cuerpo y escultura” donde en los últimos años la sociedad se ha visto afectada social y culturalmente, lo cual ha dado pie a que nuestras ideas de identidad se transformen, y se redefinan nuestros mismos principios de cuerpo, espíritu y mente, propiciando que nuestras manifestaciones estéticas varíen en su forma y concepción, pero teniendo siempre como eje central la corporeidad que nos provee la existencia. Así cada sociedad independientemente de su forma de entenderse y producirse tendrá su personalidad, cada época tiene sus particularidades y se verán reflejadas en el cuerpo de una obra enriquecida por las diferentes redefiniciones y representaciones de la realidad.

Así pues La validación de la obra no se basa en la pureza de la técnica, lo que nos permite jugar casi de forma obligatoria con la manufactura y la concepción de la obra. Apropiarnos de lo inexplorado y crear nuevas formas con lo que ya conocemos son puntos fundamentales para la confección de una mente, un cuerpo y un espíritu en la contemporaneidad.

Jaime Eduardo Trujillo Marulanda

Instalaciones sonoras

El hecho de que en las últimas décadas la "instalación" sea la práctica artística más generalizada en la creación contemporánea refleja, por una parte, la capacidad proteica que posee este medio para concretizar a cada momento la interdisciplinareidad ya formulada en las primeras vanguardias artísticas y, por otra, el alto grado de complejidad que el arte va asumiendo en tanto que plataforma para el conocimiento.

Las instalaciones se basan generalmente en la creación específica de entornos plurisensoriales, muchas veces objetuales, en los que la propia tridimensionalidad conduce a los artistas a conjugar o a poner el énfasis en aspectos como la dimensión espacial, el recorrido temporal o el carácter procesual e interactivo. Una instalación puede empeñarse tanto en transmitir una sensación como en narrar una historia... Todo es posible: sus propiedades escenográficas o su singular efecto de escultura expandida lo permiten de antemano con creces. Esta versatilidad, unida a la confluencia creativa de distintas tecnologías y medios artísticos, hace que antes que el mercado informático y audiovisual se apropiara comercialmente de la acepción "multimedia" conceptos como "instalación multimedia" fueran centrales en la constitución del media art.

De manera más específica, se denomina "instalación sonora" a aquellos trabajos artísticos en los que la dimensión acústica, o más propiamente "la sonoridad", no es un componente estético más en la confluencia de medios sino que es el elemento central o el eje y la base conceptual de la instalación.

Se considera que el término "instalación sonora" fue empleado por primera vez en 1967 por el músico y artista Max Neuhaus para llamar y definir al que fue su primer trabajo en esta dirección. La instalación, titulada Drive-in Music, se componía de ocho fuentes sonoras distintas situadas en la carretera de Lincoln Parkway (Búfalo, USA) que eran percibidas por los conductores en relación con su paso y su velocidad. Por otra parte, junto a esta creación, que representa bien a todas aquellas en las el sonido es el único protagonista, una instalación también primeriza que puede simbolizar a todas aquellas instalaciones sonoras que refuerzan su sentido de manera objetual fueRainforest de David Tudor. Su primera versión fue creada en 1968 con numerosos objetos emitiendo sus vibraciones amplificadas y colgando del techo, hasta la altura del oído, en una granero de una granja de Chocorua (New Hampshire, USA).

Unido al fenómeno de la "espacialización del sonido" como una de las características de la música contemporánea, así como en estrecha relación con la arquitectura y con los ambientes sonoros se encuentra como referente histórico el Poème electroniqueque el compositor Edgar Varèse concibió para el Pabellón Philips de la Exposición Universal de Bruselas en 1958. El pabellón, concebido por Le Corbusier y por el compositor y también arquitecto Iannis Xenakis, contemplaba 424 altavoces por los que, a modo de puntos de sonido, fluía por la arquitectura ondulante la composición de Varèse. Potencialmente, en esta creación - que también era un espectáculo de luz- se encuentra la ambición y los elementos técnicos y conceptuales que posteriormente muchos artistas han desarrollado de infinidad de maneras distintas con el apoyo de los avances de la audiotecnología.

Algunos de los autores que pueden servir de ejemplos de la evolución y de la variedad actual de las instalaciones sonoras son Alvin Lucier, Rolf Julius, Christina Kubisch ,Stephen Vitiello , Concha Jerez y José Iges , José Manuel Berenguer o José Antonio Orts. En estrecha relación con las instalaciones sonoras cabe considerar también a las creaciones de intención acústica que a primera vista, por su carácter formal y compacto, se suelen asociar más con el concepto tradicional de escultura y que por ello se denominan "esculturas sonoras". Éstas obras, a su vez, suelen relacionarse con la invención y construcción de instrumentos y con la performance musical. Destacadas históricamente en este campo fueron las célebres máquinas del escultor Jean Tinguelyy las creaciones de Harry Partch. Otros ejemplos variados y significativos se encuentran en artistas como Takis, Hugh Davies , Peter Vogel y Georges Azzaria.

Dos buenas introducciones a este amplio territorio de la creación pueden encontrarse en el catálogo y en el CD de la exposición comisariada en 1999 por José Iges con el significativo título El espacio del sonido. El tiempo de la mirada y en el estudio de Javier Ariza Las imágenes del sonido: una lectura plurisensorial en el arte del siglo XX

tomado de: http://www.mediatecaonline.net/mediatecaonline/STriaMat?ID_IDIOMA=es&termesel=Instalaciones+sonoras